공공미술은 오랫동안 정부나 지자체, 혹은 특정 단체가 주체가 되어 물리적 공간에 설치되고 관리되는 형태로 이해되어 왔다. 그러나 디지털 기술의 발전과 함께 예술을 감상하고 향유하는 방식은 점차 장소와 소유의 경계를 허물고 있다. 이미 Walter Benjamin(1936) 은 복제 기술이 예술작품 고유의 ‘아우라’를 약화시킨다고 지적했으며, 오늘날에는 누구나 인터넷 하이퍼링크 하나로 손쉽게 다양한 이미지에 접근하고 복제하며, 심지어 이를 새롭게 변형하거나 재창조할 수 있게 되었다.
이러한 변화는 평면예술뿐만 아니라 다양한 시각예술 전반에 걸쳐, 작품이 더 이상 특정한 소유자나 물리적 공간에만 속하지 않고 누구나 공유하고 향유할 수 있는 공공적 성격을 자연스럽게 내포하게 되었음을 보여준다. 나아가 최근에는 AI 기반의 이미지 생성 기술이 급속도로 발전하면서, 기존 작품의 독자성과 권위는 상대적으로 흐려지고, 미술의 고유성과 희소성 또한 이전과는 다른 의미로 소비되고 있다.
결국 이와 같은 맥락에서 보면, 현대의 모든 미술은 어느 정도 공공성을 전제한 상태에서 유통되고 소비된다고 할 수 있다. 그렇다면 이러한 시대적 조건 속에서 물리적 공간에 존재하는 공공미술은 단순한 설치물이나 시각적 장식을 넘어, 어떤 고유한 의미와 역할을 갖추어야 하는가에 대한 재고가 필요하다.
B. 공공미술의 의미와 그 한계
디지털 기술의 발달로 대부분의 평면예술이 이미 공공성을 내포한다고 볼 수 있지만, 여전히 물리적 실체를 갖춘 작품들이 도시 곳곳의 공공영역에 설치되는 것은 별도의 의미를 지닌다. 공공미술은 물리적 형태를 가진 예술작품이 특정한 장소에 놓여, 누구나 그 장소를 방문하면 자연스럽게 감상할 수 있다는 점에서 고유한 위치를 차지한다. 이에 해당하는 예로는 거리의 그래피티, 벽면을 가득 채운 스티커, 대형 건물에 설치된 조각물 등이 있다.
그러나 이러한 물리적 공공미술은 현실에서 종종 본래 목적과 달리 운용되거나, 시민과의 깊은 관계 맺음을 실현하지 못하는 경우가 많다. 한국에는 ‘건축물 미술작품 제도’라는 법적 장치가 있다
이 제도는 공공미술을 활성화하기 위한 취지로 도입되었지만, 실제로는 건축주의 요구가 과도하게 반영되어 작가의 고유한 작품세계와 무관한 조각이 설치되거나, 유명한 기존 작품의 일부를 모방한 듯한 결과물이 등장하는 경우도 있다.
이러한 문제는 Richard Serra의 『Tilted Arc』(1981) 가 던진 논점과도 맞닿아 있다. Serra는 공공공간 속 조각이 단순한 시각적 장식을 넘어 관람자의 이동과 공간 경험을 재조직해야 한다고 주장했다. 나아가 Miwon Kwon(2002) 은 장소특정적 예술을 통해 공공미술이 장소의 물리적 조건만이 아니라 역사성과 사회적 맥락을 함께 고려해야 한다고 보았으며, Suzanne Lacy(1995) 는 물리적 조형물을 넘어서 시민의 참여와 과정 중심의 공공미술을 제안했다.
그럼에도 현재 많은 공공미술은 여전히 법적 의무를 채우는 수단으로 소비되거나, 상징적 조형물에 머물러 시민과의 실질적 관계를 맺는 데는 한계가 존재한다. 이는 물리적 공공미술이 더욱 고유한 맥락성을 확보하고, 시민에게 직관적이고 친근한 경험을 제공할 수 있는 새로운 접근이 필요함을 시사한다.
C. 새로운 공공미술의 가능성
이러한 맥락에서, 공공미술은 단지 공간을 점유하는 시각적 오브젝트에 머무르지 않고, 관람자와의 직접적인 관계를 구성할 수 있는 방식으로 다시 설계되어야 한다. 특히 도시 일상 속에서 공공미술이 기능하기 위해서는 관람자에게 주체적 경험을 허용하는 직관적인 개방성, 그리고 불특정 다수가 쉽게 접근할 수 있는 ‘친절함’이 중요하다.
이러한 관점에서 <감각장치>에 속한 작업들은 공공미술을 통해 자연과 관객이 어떻게 감각적으로 연결될 수 있는지를 실험하고자 하였다. <도도>는 사람들이 귀를 기울이고 자연의 소리를 듣도록 유도하며,
<레레>는 누워서 하늘을 바라보게 함으로 중심감각을 시각에서 다른 감각으로 전환시킨다. <미미>는 땅의 냄새를 맡는것을 권하는 장치이다. <파파>는 자연이 만드는 음률에 맞춰 리듬을 만드는 악기게 되며 <솔솔>은 휴식하면서, 촉각을 탐험하는 장치이다.
이들 작업은 각각의 감각에 주목하며 관람자가 작품을 ‘이해하는’ 것이 아니라 ‘몸으로 받아들이는’ 과정을 중요시한다. 이는 단순한 조형물의 설치를 넘어서, 공공미술이 도시 속에서 어떻게 기억되고, 사람들 사이에서 어떻게 관계 맺을 수 있는지를 실험하는 장치였다. 따라서 전체 제목을<감각장치>로 명명할 수 있었다.
또한 이 작품들을 기반으로 파생된 일련의 프로그램들은 미술작품이 시민의 일상 속에서 지속적으로 작동할 수 있는 하나의 플랫폼 역할을 하도록 구성되었다.
이처럼 ‘친절함’을 바탕으로 한 일상적 공공미술은, 기존의 제도 중심적이고 시각 중심적인 접근에서 벗어나, 보다 유연하고 일상적인 방식으로 공공성과 예술의 접점을 확장할 수 있는 가능성을 제시한다.
A. All Art Possesses Publicness
Public art has long been understood as a form of art installed and managed within physical spaces, typically initiated by governments, municipalities, or specific organizations. However, as digital technology has developed, the ways in which people appreciate and engage with art have gradually blurred the boundaries between place and ownership. As Walter Benjamin (1936) pointed out, reproduction technologies weaken the unique “aura” of artworks, and today, anyone can easily access, replicate, and even transform or reinterpret various images through a single internet hyperlink.
This shift has affected not only two-dimensional art but also visual art in general, revealing that artworks no longer belong exclusively to specific owners or locations but inherently carry a public dimension through their shared and accessible nature. Furthermore, with the rapid advancement of AI-based image-generation technologies, the originality and authority of existing works have become increasingly fluid, and the uniqueness or rarity of artworks is now consumed in a fundamentally different context.
Seen from this perspective, it could be said that most contemporary art is already distributed and consumed with an underlying assumption of publicness. Within such a condition, it becomes necessary to reconsider what kind of distinct value and role physical public artworks should hold—beyond merely being installed objects or visual symbols in space.
B. The Meaning and Limitations of Public Art
While it is true that most two-dimensional art can now be considered public in nature due to digital accessibility, the presence of physically tangible artworks in the public domain—installed in urban spaces—still carries distinct significance. Public art refers to physical artworks placed in specific locations where anyone can experience them simply by being present. This includes graffiti on the streets, walls filled with stickers, and sculptures installed in front of large buildings or within lobbies.
However, these forms of physical public art often deviate from their intended purpose and fail to foster meaningful relationships with citizens. In South Korea, there exists a legal framework known as the Art in Architecture Program. According to this system, buildings of certain functions exceeding 10,000 square meters in total floor area must allocate a small percentage (typically under 1%) of construction costs for the installation of artworks, or alternatively contribute to a cultural arts promotion fund.
Though established to vitalize public art, this system has often resulted in works that reflect the preferences of developers more than the artist’s own vision. In many cases, installed sculptures appear disconnected from the artist’s practice, or resemble replicas of pre-existing popular works.
This issue echoes the critical discourse surrounding Richard Serra’s Tilted Arc (1981), in which Serra argued that public sculpture should restructure a viewer’s spatial experience, rather than function as mere ornament. Miwon Kwon (2002) further developed this through the concept of site-specific art, emphasizing that public artworks must consider not only physical conditions but also historical and social contexts. Suzanne Lacy (1995) went even further, proposing a shift from object-centered public art to works centered on community participation and social process.
Nevertheless, a large portion of contemporary public art still functions as a way to fulfill legal obligations or as symbolic objects that fall short of fostering meaningful engagement. This suggests a growing need for new approaches that allow public artworks to gain contextual specificity and offer intuitive, welcoming experiences for their audiences.
C.The Possibilities of a New Public Art
n this context, public art should no longer remain as static visual objects occupying space, but must be reimagined to create direct and relational engagement with its viewers. For public art to be effective in the everyday life of a city, it must offer intuitive openness that allows autonomous participation, and above all, a sense of kindness that invites unintentional, inclusive interaction.
With this in mind, a series of works categorized under the title <Sensory Devices> was developed as a way to explore how public art could foster sensory connection between nature and the audience. For instance, <Dodo> invites people to listen attentively to the sounds of nature, while <Rere> encourages viewers to lie down and shift their sensory center from visual perception to bodily balance. <Mimi> is a device that prompts one to smell the earth. <Papa> becomes an instrument for creating rhythms in harmony with natural sounds, and <Solsol> serves as a tactile installation that facilitates rest and exploration through touch.
These works focus on specific senses and emphasize the process of “receiving” with the body rather than intellectually “understanding” with the mind. Rather than functioning as static sculptural objects, they act as experimental tools that question how public art is remembered within the urban landscape and how it can foster relationships between people through shared experience. As such, the collective title <Sensory Devices> was chosen.
Based on these works, a series of associated programs were also developed, enabling the artworks to function as platforms that continue to operate within the everyday lives of citizens—such as sound walks, scent-mapping workshops, and rhythm-making sessions with natural elements.
Through such “kindness”-driven, everyday encounters, this approach to public art proposes a departure from system-centered, visually dominant traditions. Instead, it offers a more flexible and embodied way of expanding the intersection between publicness and art. Related Projects